Memory Lab / Photography Challenges History

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Kuratorische Erklärung

Der kollektive Titel des Katalogs, der großzügig alle 43 Künstler/Fotografen umfasst, die in sehr unterschiedlichen Ausstellungen in sechs europäischen Hauptstädten des EMoP-Netzwerks zu sehen sind, hat den Vorteil, dass er nicht zu genau sagt, was sie gemeinsam haben oder was sie auszeichnet. Die große Mehrheit dieser Künstler beschäftigt sich mit der Erinnerung an die schmerzhaften Ereignisse und Nachwirkungen der großen europäischen Konflikte, die das zwanzigste Jahrhundert geprägt haben. In jüngerer Zeit sind es die Konflikte auf dem Balkan.

Andere befassen sich mit der Geschichte der Einwanderung und den damit zusammenhängenden Fragen nach der Herkunft der Menschen, ihrer Identität, ihrer Familien- oder Regionalgeschichte, was eine weitere Form der Auseinandersetzung mit der Erinnerung ist. Wie sollte sich die zeitgenössische Fotografie der sieben Länder, aus denen sich das EMoP-Netzwerk 2014 zusammensetzt, im Verhältnis zu einer Vergangenheit definieren, die sie erzählen oder darstellen soll? Das ist eine schwierige Frage. Insbesondere stellt sich - abgesehen von den kulturellen Unterschieden und Besonderheiten, die die einzelnen Nationen und kulturellen Einheiten kennzeichnen - die Frage nach der Wahrhaftigkeit der von ihr erzählten Fakten, nach möglichen Travestien oder Ablenkungen in ihrem sozialen und politischen Kontext. Die Kunst bildet da keine Ausnahme.

Jedes Gedächtnis ist selektiv, und der Künstler lenkt die Aufmerksamkeit auf dieses oder jenes Ereignis, vergisst andere und bearbeitet das Gezeigte weiter.
Ursprünglich ersetzte die Fotografie die Malerei und die Literatur durch eine unübertroffene Eigenschaft: ihre Fähigkeit, die "Realität" darzustellen. Die Funktion der Fotografie bestand darin, dem, worüber der Journalist schrieb, durch ein passendes Bild Anerkennung zu verschaffen. Es sollte den Leser von jedem Zweifel befreien und ihm garantieren, dass ihm die Wahrheit durch das fotografische Bild vermittelt wurde.
Heutzutage wissen wir nur zu gut, dass das fotografische Bild den Launen der subjektivsten Interpretationen unterliegt und der Fotograf nicht mehr der unbestrittene Zeuge der Ereignisse ist, der er einmal war. Auf der Website der Saatchi Gallery in London werden die Arbeiten dieser Künstler wie folgt vorgestellt:
Was ist die Wahrheit in der Fotografie? Bertolt Brecht behauptete, dass der Fotojournalismus "praktisch nichts zur Enthüllung der Wahrheit über die Verhältnisse in dieser Welt beigetragen hat". Könnte es andere Wege für Fotografen geben?
Adam Broomberg und Oliver Chanarin ziehen es vor, die Wahrheit nicht in der Aufzeichnung eines aktuellen Ereignisses aus erster Hand zu suchen, sondern in den Turbulenzen der nahen Vergangenheit, wie sie sich in Archivmaterial offenbaren.

Dieser kurze Absatz verdeutlicht die Merkmale des auf Dekonstruktion basierenden kritischen Ansatzes, den viele Künstler/Fotografen unserer Tage in einer dem Zufall überlassenen Welt ohne Gewissheiten verfolgen. Sie weigern sich, die Fotografie als Mittel zu verwenden, um die Welt auf wissenschaftliche oder rationale Weise zu dokumentieren. Es bleibt jedoch der Wunsch, Teil des Unausgesprochenen zu sein und mit der Suggestionskraft der Kunst zu spielen, wobei es dem Betrachter/Leser überlassen bleibt, dem Bild seine eigene Interpretation beizufügen. Man könnte sich auf Walter Benjamin berufen, der schreibt: "Denn die Lage, sagt Brecht, ist dadurch kompliziert, dass eine einfache Wiedergabe der Wirklichkeit weniger denn je etwas über die Wirklichkeit aussagt."
Viele Künstler in dieser Auswahl geben in den begleitenden Notizen ausdrücklich zu, dass sie nicht in der Lage sind, Botschaften zu vermitteln oder eine Diskussion anzustoßen. Es wurde gesagt, dass der Holocaust den Dichter zum Schweigen gebracht hat und dass er uns für immer sprachlos macht. Fotografien wie die von Sarah Schoenfeld oder Tatiana Lecomte sind Beispiele für eine Art von Fotografie, die nicht mehr versucht, etwas zu enthüllen, weil zu viele Dinge jenseits des Bildes liegen und das Wesentliche oft unbeschreiblich ist. In der zeitgenössischen Fotografie zeigt die Evokation der Schlachtfelder der Vergangenheit, leere oder verlassene Orte, während unser Blick den Horizont der Geschichte umarmt, wie der Fotograf mit seinem Mittel des "Zeigens" kämpft, während er sich wirklich mit den Grenzen des "Sagens" auseinandersetzt. Andere, wie Attila Floszmann, Henning Rogge, Jonathan Olley und Vitalic, präsentieren uns Fotografien, deren Schönheit und Gelassenheit im Widerspruch zu den Kriegshandlungen stehen, die sie abbilden.

Durch eine quietistische Ästhetik weckt die Fotografie hier die Erinnerung des Betrachters, denn es sind seine Erinnerungen, die das Kunstwerk jenseits seines formalen oder ästhetischen Modus zum Sprechen bringen. Unsere persönliche Beziehung zu dem Bild und den Ereignissen, die es darstellt, ist ein Schlüsselelement für das Verständnis. In "Smoke" (1995), einem Film von Paul Auster und Wayne Wang, erzählt ein Tabakhändler einem Stammkunden, dass er jeden Tag ein Foto von einer Kreuzung in seiner Nachbarschaft gemacht hat. Der Kunde ist erstaunt über die Banalität des Aufwands, bis er auf einem dieser Fotos das Bild seiner toten Frau entdeckt. Er wird von überwältigenden Gefühlen gepackt. In einer Ausstellung wie dieser hängt die Kraft der Kunst, den Besucher anzusprechen, oft von der Fähigkeit des Besuchers ab, sich an sein historisches Wissen zu erinnern oder sich auf die Suche nach einer Erinnerung oder einem Gefühl zu machen, die das Bild sozusagen mit zusätzlicher Bedeutung "füllen". Wenn die Fotografie politische Konflikte oder Kriege heraufbeschwört, spricht sie häufig einen kulturellen oder politischen Subtext an. Klischees über den Nationalsozialismus können auf den ersten Blick zum Verständnis beitragen, weil bestimmte Ereignisse eine universelle Dimension erhalten haben. Aber das kann irreführend sein.

Bilder von Andreas Muehe oder auch Erwin Olaf beschwören - durch die Vorherrschaft einer stark vom Stil der dreißiger Jahre geprägten Ästhetik - sowohl die Faszination pompöser Erhabenheit als auch eine ironische Distanzierung aus historischen Tiefen herauf. Die Anziehungskraft dieser mächtigen Bilder geht einher mit einem Unbehagen, das aus unserer Unfähigkeit resultiert, in ihnen eine klare moralische oder politische Position zu erkennen. Es stimmt, dass die Unordnung der semantischen Inhalte ein Merkmal der zeitgenössischen Kunst ist. Dennoch trägt sie dazu bei, dass der Betrachter/Bürger noch mehr "in der Übersetzung verloren" geht. Und manchmal ist es eine ironische Distanzierung, die die Oberhand gewinnt, wie in den Werken von Muehe, Rosenberg, Vladimir Nikolic oder auch Sarah Schoenfled.
Auf einer anderen Ebene kann es für einen Nicht-Ungarn schwierig sein, die Bilder von Gabor Gerhes vollständig zu verstehen. Im Rahmen einer Ausstellung gewinnt die Installation jedoch an Kraft und Überzeugung, um Angst zu erzeugen und zu einer alptraumhaften Erinnerung an Situationen zu werden, in denen der Einzelne mit einer autoritären politischen Macht konfrontiert ist, die im Verborgenen agiert. Andere Bilder, die nicht direkt mit historischen Ereignissen zu tun haben - wie zum Beispiel die "Transgender"-Fotos von Bettina Rheims oder die Bilder erotischer Gewalt von Antoine d'Agata - offenbaren einen Standpunkt, der mit der Diskriminierung und Verfolgung im Nationalsozialismus und mit dem zeitgenössischen Nationalismus oder religiösen Radikalismus in Verbindung gebracht werden kann. Andererseits scheint die junge schwedische Künstlerin Lina Scheynius vielen europäischen Bürgern, die den Kriegen entkommen sind, näher zu stehen. Sie erinnert sich mit großer Sensibilität, ja sogar Sanftheit, an die Stadt Sarajevo, wo sie Erinnerungen an den Konflikt mit intimen Momenten der Privatsphäre verbindet. Auf der Grundlage dieses Modells wird die Vergangenheit durch die Ansammlung von Kunstwerken, Gebäuden, Karten und Bildern rekonstruiert. Die Fotografie fungiert als Markierung, die auf etwas hinweist, das manchmal ein verschwommenes Spiegelbild einer Erinnerung ist, deren Verständnis eine besondere Hermeneutik erfordert.

In einer von den Medien beherrschten Welt sind wir uns der Ereignisse bewusst, erleben sie aber auf eine Weise, die Distanzierung und Anteilnahme im ursprünglichen Sinne des Wortes vereint. Es gibt viele Fotografien, die parteiische Positionen außer Acht lassen. Es stimmt, dass die Mehrheit der Bilder in dieser Auswahl Krieg, Gewalt und Diskriminierung einhellig ablehnt. Meistens handelt es sich um einen stillen Protest. Es sollte jedoch auch darauf hingewiesen werden, dass die Absicht der Organisatoren auch darin besteht, die Erinnerung wachzurütteln, um in der zeitgenössischen Kunst die Permanenz politischer Spannungen, Konflikte und impliziter Gewalt zu zeigen.

Die angespannte Situation in vielen europäischen Ländern eignet sich dafür leider nur zu gut.
Pierre Stiwer

Veranstaltungsorte:
Athen: Benaki Museum
Berlin: Gropius Bau
Budapest: Budapest Galeria
Bratislava: Institut français
Luxemburg: MnHA ( Musée national d'Histoire et d'Art ), Casino Luxemburg- Forum d'art contemporain, Cercle Cités Ratskeller - Ausstellungsraum
Wien: Musa

Künstler:
Boukal Tanja, Broomberg & Chanarin, Cairns Antony, Cohen Steven, D'Agata Antoine, Efstathiadis Petros, Esterházy Marcell, Floszmann Attila, Frenkel Vera, G.R.A.M., Galassi Silvio, Gehres Gabor, Goldin Nan, Jermolaewa Anna, Kloss Stephanie, Knap Noro, Lecomte Tatiana, Lipuš Marko, Mettig Klaus, Muehe Andreas, Nikolić Vladimir, Olaf Erwin, Olley Jonathan, Ősz Gábor, Paci Adrian, Paglen Trevor, Peterlin Borut, Petkovic Darije, Pezennec Adrien, Pungerčar Marija Mojca, Rheims Bettina, Rogge Henning, Rosenberg Aura, Scheynius Lina, Schmid Anna Charlotte, Schoenfeld Sarah, Starovecký Juraj, Šoltýs Tomáš, Tur Nasan, Vitaljić Sandra, Zuleta Zahr